Les couleurs, les formes et les motifs émergent dans des œuvres très distinctes, parfois complémentaires, parfois renforcées par opposition. En plus de ceux-ci se trouvent diverses ferronneries artistiques, meubles, poteries et autres objets d'art, encore une fois dont les lignes, les motifs, la symétrie, la relation spatiale et les couleurs imitent, se complètent ou contrastent. Le résultat? L'agencement de la collection, lui-même, devient une œuvre d'art en quatre dimensions : les deux dimensions au sein des peintures, la 3ème dimension qui relie les objets et les peintures, et la quatrième dimension qui réside dans l'imagination du percepteur. Qu'est - ce que Barnes a tenté d'obtenir est une expérience au - delà de ce qui est offert dans un musée.
Le mettre en mots est difficile, mais imaginez ceci. Barnes vous place dans une pièce, une pièce qui a une table, une table autour de laquelle trois hommes jouent aux cartes. C'est la juxtaposition trois fois. Réalité suspendue, vous vous retrouvez dans un tableau de Cézanne, transporté dans la continuité sans couture de la nature morte et de la vie réelle. C'est le type d'expérience qui intéresse Barnes et qu'il s'efforce ardemment de protéger.
Ce qui nous amène à la controverse du déménagement. À sa mort, Alfred C. Barnes a créé une fondation et a laissé un testament établissant une école où les étudiants peuvent étudier et apprendre dans sa résidence de Merion, en Pennsylvanie. Cependant, en 2002, la fondation aurait eu peu de fonds et de ressources pour l'entretien du site et la préservation et l'entretien de la collection. En conséquence, un financement extérieur a été recherché pour sauver la fondation. En 2004, trois fondations caritatives ont offert leur aide mais avaient demandé de déplacer la collection Downtown contre la volonté de Barnes, qui interdit spécifiquement un tel déplacement. Le résultat est une vague d'allégations désagréables, de manœuvres politiques et juridiques de la part des gens pour et contre le mouvement.
Je f vous croyez que le peuple contre le déménagement, vous prendriez cela comme une prise de contrôle sans pitié d'une collection de 40 milliards $ qui était impossible à atteindre autrement. C'était un manque de respect flagrant et un mépris pour la volonté d'un homme qui s'est battu toute sa vie pour rendre l'art accessible aux étudiants et aux pauvres. Dr Barnes
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Je n'aimais pas les riches ou l'élite intellectuelle autoproclamée. Peut-être influencé par son enfance pauvre, il a cherché à égaliser de manière significative l'accès aux grandes œuvres d'art. Il craignait essentiellement que seuls les puissants et les riches aient le contrôle d'œuvres importantes.
Si vous croyez les partisans du mouvement, vous diriez que l'accès à l'œuvre par le public offre une exposition bien nécessaire qui, à son tour, apporte un financement supplémentaire aux arts. L'importance d'une exposition maximale dans ce monde multimédia n'est pas quelque chose que le Dr Barnes aurait pu prévoir auparavant. Peut-être que s'il était vivant aujourd'hui, il serait peut-être très heureux que des étudiants du monde entier puissent apprendre beaucoup de sa collection. De plus, ce ne sont plus seulement les riches ou les étudiants qui s'y intéressent. L'art est maintenant plus apprécié par beaucoup, dans tous les horizons.
Ce n'est pas à nous de décider de la moralité du mouvement. En fin de compte, les véritables motivations de toutes les personnes impliquées restent soumises uniquement à leur propre conscience. Bien que fidèle à sa mission d'origine, le "New Barnes", comme l'appellent maintenant les habitants de Philly, reste une institution d'éducation avec des salles d'étude, un auditorium, des installations de conservation et une bibliothèque gratuite.
Mais à côté de cela, il y a d'autres choses que le Dr Barnes n'aurait pas appréciées : un café, un centre touristique, une boutique de cadeaux, des chambres et des espaces nommés d'après des personnes qui n'ont rien à voir avec la Collection. I-Touches contenant des explications d'experts en art, dont certaines sont des faits fascinants, d'autres à la limite des analyses ridicules.
On imagine facilement Matisse, Renoir, Cézanne se moquer des critiques d'art qui tentent de trouver le « vrai » sens à tout ce qu'un artiste fait : pourquoi une certaine table est inclinée ou pourquoi une main est déformée ou la tête est disproportionnée par rapport au corps. Ces experts semblent considérer les artistes comme divins et, par conséquent, parfaits. Chaque coup doit avoir été fait avec intention et précision et, en tant que tel, doit être analysé ad nauseam. Compte tenu de cela, il n'est pas difficile d'imaginer le Dr Barnes chassant ces experts en art pseudo-intellectuels.
N'est-il pas possible que les artistes fassent des erreurs, qu'ils produisent une œuvre imparfaite à laquelle, pour une raison quelconque, ils sont restés attachés ? Peut-être que les artistes dans une pièce spécifique s'intéressaient plus à l'essence qu'à la proportion, à la perspective plutôt qu'à l'emplacement. Peut-être jouaient-ils avec la flexibilité du temps et de l'espace. Ou peut-être passaient-ils simplement une mauvaise journée.
Pourtant, si imparfaites soient-elles, il y a un éclat indéniable dans ces œuvres de maître. Il y a des points, des lignes et des formes si délicatement dessinés ou peints qu'il est presque fou de croire qu'ils ont été faits à la main. Rousseau, Seurat, Matisse, Picasso. Dans The Postman, Van Gogh nous donne du blanc qui, à y regarder de près, est un arc-en-ciel de couleurs. La broderie Madame Monet présente un tissu qui scintille comme des étoiles galactiques multicolores. Suspendez votre réalité une seconde, concentrez-vous sur le génie de la technique et vous arriverez probablement aussi près que possible d'un orgasme intellectuel.
En fin de compte, nous sommes déchirés ici. D'une part, nous sommes reconnaissants d'avoir pu accéder à l'expérience d'une collection aussi magnifique. D'un autre côté, nous craignons également que le Dr Barnes ait raison. Les « rois et reines » du monde faux-intellectuel peuvent éventuellement gâcher l'expérience pour tous. Mais jusque-là, nous gardons espoir.
Une dernière chose. Nous avons rencontré un couple qui était allé à Merion à quelques reprises. Ils nous ont dit qu'ils étaient absolument ravis que le New Barnes ait capturé la "sensation" de l'ancien, quelque chose qu'ils craignaient peut-être perdu dans le déménagement. Cela aussi nous donne de l'espoir.
Pourtant, il y a quelque chose que nous suggérons que le New Barnes devrait perdre : si le nom n'est pas Barnes, Glackens, Renoir, Matisse, Picasso, Van Gogh, etc. --- perdez-le ! Un vrai reflet de la maison du Dr Barnes n'aurait pas son salon nommé d'après quelqu'un d'autre. Il considérerait cela, comme nous, comme une insulte. Juste une pensée.
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Faire demi-tour